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Lumières d’été, corps qui grandissent, visages qui vieillissent, jeux d’enfants et esprit adolescent : tous ces éléments touchants composent son album de famille.
Read More‘Khamsa’ refers to a palm-shaped amulet popular throughout North Africa and the Middle East. Translating to ‘five’ in Arabic, it depicts an open right palm. When repeated three times, it acts as a protective incantation from the evil eye. For 25-year-old artist Julia Gat, ‘Khamsa’ represents the idyllic environment in which she and her four younger siblings were raised. Having moved to the south of France from Israel in 2007, the five siblings were home-schooled, and grew up speaking Hebrew, English and French. Their parents followed an alternative educational philosophy called ‘Unschooling’, an approach led by each child’s needs and desires.
Khamsa Khamsa Khamsa is Gat’s decade-long autobiographical project. Beginning when she was 15 years old, it documents her family, but also their “intimate bubble” of friends and neighbours who also pursued an alternative route to education. For the first seven years of their lives, the children were encouraged to play – to immerse themselves in activities and socialising. “We grew up in a bubble,” she says. “A self-created world, playing games and inventing characters.” From the age of 14, they were encouraged to pursue a certain path. Her two youngest siblings are still figuring out their passions; her second eldest Nina is pursuing a career as a jazz pianist; and for Gat, it was photography.
“Without school to distract us, everything fell into place,” says Gat. “There was definitely a sensation of freedom, that you were able to build your own curriculum, and actually choose what you want to do with your time… With this comes a great deal of responsibility.” Rather than following a prescribed route, “you really decide,” she continues, “you realise to what extent your life is in your own hands”.
Born in 1997 in Israel, and now based between Marseille and Rotterdam, Gat’s work has received recognition from numerous international awards, and has been exhibited in Europe and the US. She is currently exhibiting Khamsa Khamsa Khamsa as part of the official programme of Les Rencontres d’Arles, but also as a solo show at Galerie Huit Arles. Last week, she launched her debut photo book with French publisher Actes Sude, to coincide with the opening of the festival.
“Homeschooling is not a system. You let the plant grow, and you see what it becomes”
As time goes on, Gat is “more and more grateful” for the childhood her parents chose for her. In engaging with her work, Gat hopes viewers will recognise that there are alternative routes to traditional educational structures, which don’t always serve every individual. “It’s like asking an elephant, a fish and a monkey to climb a tree. They don’t all have the same skills,” she says. “[Homeschooling] is not a system. You let the plant grow, and you see what it becomes.”
Documenting moments of joy, intimacy, and play, Khamsa Khamsa Khamsa is an invitation to reimagine what we define as learning. But it is also an autobiography, an intimate document of Gat’s unique childhood, as well as her development as a photographer. In the words of her mother: “Your archive keeps that world we lived in as a real place, which otherwise could be easily mistaken for a dream.”
Julia Gat is exhibiting at Galerie Huit Arles and Les Rencontres D’Arles until 25 September 2022.
« Quand j’avais dix ans, je me suis promis de ne jamais oublier comment l’enfant voit le monde : tout est nouveau, l’imagination se mêle à la réalité et l’inconnu est passionnant. » (Julia Gat)
Khamsa signifie en arabe « cinq ». Prononcé trois fois – titre du livre publié chez Actes Sud, dans la belle collection 48 Vues, de la photographe Julia Gat -, il relève du mantra, ou de la formule incantatoire.
Parce que chez les Gat, il y a cinq frères (Michael, Jonathan) et sœurs (Sara, Nina, Julie). Parce qu’il y a cinq doigts dans chaque main, dans chaque pied, et qu’on peut les entrelacer pour toujours.
Khamsa khamsa khamsa est donc cela, un geste de sorcellerie fraternelle, une protection supérieure, une façon de lier par la force de l’art les membres d’une famille, de les unir au-delà des vicissitudes du temps et des mouvements des psychologies singulières.
Se présentant sous la forme d’une archive familiale – des mosaïques d’images ouvrent et ferment l’ouvrage – ce livre solaire est un éloge des interactions d’enfance doublé d’un portrait de chacun des protagonistes.
Née en 1997, Julia Gat écrit son quotidien avec le visage et les corps de ses proches, donnant aussi de l’espace méditerranéen dans lequel évolue la fatrie une impression très douce.
Il faut comprendre ici que la liberté de chacun vaut pour celle de tous, et que les parents ont choisi de ne pas élever leurs enfants selon le mode omnipotent de l’Education nationale.
« L’approche de mes parents consistait à nous accueillir au monde dans l’amour et la joie pendant les sept premières années, puis à nous laisser explorer des activités et la vie sociale jusqu’à l’âge de 14 ans et, enfin, à nous soutenir dans un projet personnel – dans mon cas photographe – qui se professionnalise jusqu’à nos 21 ans. »
Offrir à chaque être la chance de développer ses potentialités, ses talents – on remarquera ici la symbolique du chiffre 7 si fréquente dans la mystique juive -, et de ne rien lâcher sur son désir de fond, une fois le Graal découvert.
De fait, chacun rayonne d’une présence irréductible, entre tendresse et sauvagerie, surface grisante – ce sont des jeunes d’aujourd’hui saisis à différents âges, sans que les portraits pris sur le vif soient classés par ordre chronologique – et reflet d’une profondeur intérieure révélant une solitude.
« A la maison, confie l’auteure de cet opus, nous parlons hébreu, anglais et français, ayant déménagé en France depuis Israël en 2007. Mais concrètement, nous avons grandi dans une bulle. Un monde imaginaire créé par nos jeux et nos personnages. »
Sara, photographiée dans une nouvelle maison située à Marseille en 2021, est extraordinaire, astre de lumière aux yeux et à la chevelure très noirs. Les couleurs de la petite enfance la caressent encore, la sensualité est un mode d’accès à l’existence disponible pour tous. Sara, c’est le feu d’une Indienne juive égarée dans un pays où elle est en exil.
Michael a les traits androgynes de qui n’a pas besoin de se genrer outrageusement pour se sentir puissant. C’est un esprit de l’air, la légèreté du sable lui va bien.
Son frère Jonathan a le visage des petits pages arthuriens, dont le destin est celui de combattre le mal. A lui l’épée de miséricorde et les rêves de sainteté. A lui l’ambition lazaréenne de réveiller les morts.
Nina est une mère universelle, farouche Madonna del Parto moyen-orientale, musique dansée de la régénération.
Quant à Julia, photographiée par sa tante Yahel Or Nir en Israël en 2001 tenant elle-même un boîtier de vision, elle est à la fois l’ensemble des images de sa fratrie déposées dans sa mémoire et sur le papier des éditions Actes Sud, mais aussi l’inconnue qui vient, la sans-visage, la femme qui témoigne, celle qui transmet le temps.
Julia Gat, khamsa khamsa khamsa, texte (français/anglais) Julia Gat, édition Gérladine Lay, assistée de Nesma Merhoum, conception graphique Yann Linsart, Actes Sud, 2022
http://www.juliagatphotography.com/
https://www.actes-sud.fr/contributeurs/julia-gat
Deux expositions éponymes auront lieu à l’espace de la Croisière et à la Galerie Huit du 4 juillet au 26 septembre à l’occasion des Rencontres de la photographie d’Arles 2022
Publié par FABIENRIBERY le 28 JUIN 2022
Chaque mois, nous passons en revue les événements artistiques de notre beau pays, la France, afin de vous proposer la crème de la crème des expositions. Et cet été, vous aurez droit au soleil arlésien, à un “Voyage à Nantes”, à des “vagins ailés”, à des “peintures à vivre”, à de l’art panafricain, à des sculptures monumentales ainsi qu’à une belle collection de mèmes. Voici dix expositions à ne pas rater cet été.
Pour sa 53e édition, le festival des Rencontres d’Arles veut “rendre visible l’invisible”. Que ce soit à travers des œuvres qui sortent des sentiers battus photographiques ou à travers des figures méconnues, une quarantaine d’expositions disséminées dans toute la ville répondront à cette problématique.
Parmi nos expositions coups de cœur, figurent la rétrospective de Lee Miller, les images de Sathish Kumar qui est retourné dans son village natal indien, les “photosynthèses” maniaques de Barbara Iweins qui a inventorié les nombreux objets de sa maison, les projets décoloniaux de Croisière et celui de Julia Gat sur sa famille, la neige dans l’objectif de Klavdij Sluban, ainsi que les photos de nuages et de cloud au Monoprix.
L’exposition collective à l’Église des Frères Prêcheurs a su nous toucher avec le projet poignant de Mika Sperling qui raconte l’inceste qu’elle a subi, celui de Daniel Jack Lyons qui a documenté la jeunesse trans et queer d’Amazonie, la série profonde de Gal Cipreste Marinelli et Rodrigo Masina Pinheiro sur leur transidentité et celle de Rahim Fortune sur le deuil de son père.
N’hésitez pas à passer à la Fondation Luma pour voir l’exposition monumentale d’Arthur Jafa autour de l’identité noire et du suprémacisme blanc, les clichés du photographe ghanéen James Barnor ainsi que le focus sur l’avant-garde féministe à la Mécanique Générale.
Jusqu’au 25 septembre 2022.
(…)
Donnia Ghezlane-Lala
Trente-cinq degrés à l’ombre, un petit fil d’air agréable dans certaines petites ruelles. Nous sommes bien arrivés à Arles, capitale de la photographie durant l’été, avec la 53e édition des Rencontres de la Photographie.
Du 4 juillet au 25 septembre 2022, 40 expositions réparties dans le centre ville et aux alentours vous proposent d’explorer le monde sur le thème “Visible ou invisible”. Sans compter le OFF, où chaque galerie ou lieu de passage accueille une exposition photo. Ici, la photographie est pensée comme révélatrice d’une nouvelle réalité, ou bien simplement comme un ingrédient essentiel pour éclairer notre regard sur certains sujets.
Le festival rend hommage à Olivier Etcheverry (1952-2022) qui a dessiné la scénographiedes rencontres et ses expositions depuis plus de 20 ans, en 1986 et 1987 puis de 2002 à 2022. L’homme avait une grande vision pour les Rencontres, en plaçant la photographie dans des lieux en marge, avec des installations colorées, vivantes, dans des espaces étonnants, comme des entrepôts, maisons abandonnées, ou encore la réserve d’un grand magasin, des cours d’école ou jardins urbains. Bref, des lieux inattendus qui, pour lui, permettaient de voir la photographie autrement.
Et c’est bien ce que l’on retrouve toujours durant cette 53e édition des Rencontres de la Photographie. À travers les rues sinueuses du centre ville historique d’Arles, autour de son arène, on se retrouve à regarder des photographies au coeur d’une église, sous les voutes fraîches d’un couvent, au premier étage d’un supermarché ou encore dans une friche de la gare SNCF.
Cette année encore, le festival s’organise autour d’un programme décompensé en cinq grand thèmes : Performer, Expérimenter, Emerger, Explorer & Témoigner et enfin Revisiter. Ce programme, qui mêle plusieurs générations de photographes, ainsi qu’autant d’approches différentes, propose une très grande variété d’expositions.
Cette année, la performance est au féminin, puisque les 3 expositions sous ce thème concernent des femmes photographes. “On ne naît pas femme, on le devient”. C’est sur cette phrase de Simone de Beauvoir que l’exposition internationale Une avant-garde féministe débute, aux côtés d’une photo géante et floue de Sandra Brewster (série Blur). L’expo, à la Mécanique Générale, regroupe plus de 200 œuvres de 71 femmes artistes réalisées dans les années 70s. Elle aborde la construction de la féminité à cette époque et questionne la notion de féminin de manière subversive, ironique ou radicale. Cette exposition, issue de la collection autrichienne Collection Verbund, souligne le caractère pionnier de ces femmes, à l’origine pour certaines de mouvements féministes.
De son côté, la réalisatrice, directrice de la photographie et artiste franco-américaine Babette Mangolte, lauréate du prix Women in Motion 2022, voit son travail photographique sur la danse exposé à l’Eglise Sainte-Anne. Son exposition Capter le mouvement dans l’espace revient sur plus de 50 ans de chorégraphies et performances, où les gestes et mouvements sont capturés sur la pellicule. Sur les clichés, on retrouve notamment Yvonne Rainer, Lucinda Childs, Joan Jonas ou bien encore des pièces de théâtres d’avant-garde de Richard Foreman.
Enfin, la troisième exposition de cette série est celle de Susan Meiselas et Marta Gentilucci, qui exposent Cartographies du corps à l’Eglise Saint-Blaise. Dans ces installations vidéo, on retrouve les mains et leurs mouvements au centre, comme symbole de la vitalité, de l’histoire et de l’identité des femmes italiennes filmées.
Qu’est-ce que la création sans expérimentation ? Sur ce point, Arles propose cette année encore de découvrir des visions artistiques où toute la place est donnée à l’expérimentation, que ce soit sur les formats, les collages d’image ou bien une nouvelle approche de la matière.
Ainsi, l’artiste Noémie Goudal aborde l’idée du temps long dans Phoenix, avec des films performatifs diffusés sur des écrans géants dans l’église des Trinitaires. Ici, illusions optiques et sonores nous proposent une autre vision de l’écologie, en faisant un pas dans l’ère post-anthropocentrique.
Une exposition monographique est consacrée à Bettina Grossman, artiste américaine dont l’oeuvre pluri-média et géométrique est saluée cette année. à la Mécanique Générale, l’artiste norvégienne Frida Orupabo rapporte, à travers des collages déformés de photos de corps humains issus des archives coloniales, le traumatisme subit par les femmes noires dans l’histoire.
Au Monoprix d’Arles, après avoir traversé la clim des rayons, le premier étage accueille, entre parpaings et tôle, un lieu d’exposition présentant le travail de Lukas Hoffmann et l’expo collective Chants du Ciel, la photographie, le nuage et le cloud. La série Evergreen de Lukas Hoffmann confronte deux séries bien différentes, toutes deux réalisées à la chambre, avec des séries présentées sous la forme de polyptiques en grand format. Le photographe mêle ainsi photo de rue à la chambre et à main levée à des clichés où béton et peinture prennent tout l’espace.
L’exposition collective Chants du Ciel, dont la commissaire Kathrin Schönegg est lauréate de la Bourse de recherche curatoriale des Rencontres d’Arles 2019, nous plonge la tête dans les nuages, mais pas forcément ceux auxquels on croit. Des nuages naturels, source d’inspiration forte de la photographie abstraite, on passe au Cloud, qui connecte aujourd’hui plus de 5 milliards d’internautes, et dont la machinerie informatique, faite de fibres, câbles, data centers et autres logiciels auto-apprenant reste un peu trop masqué de nos esprits.
Pourtant, la question de l’emprise du réseau, qu’elle soit sociale, démocratique, économique ou écologique, est forte et est ici questionnée par des artistes comme Adrian Sauer, Raphaël Dallaporta ou encore Evan Roth, qui combine vidéo slow motion et infrarouge pour dévoiler l’infrastructure bien physique de ce cloud virtuel, où plus d’un million de kilomètre de câbles sous-marin acheminent le trafic internet mondial.
En plus de présenter des photographes reconnus, Les Rencontres d’Arles proposent, avec le Prix Découverte Louis Roederer, de découvrir des artistes émergents, présentés par des galeries, centres d’arts, institutions et autres lieux culturels. Cette année, une méga-exposition, présentée dans l’église gothique désaffectée des Frères-Prêcheurs, rassemble 10 projets en s’attachant au processus pré-photographique, ce qui a motivé l’artiste à réaliser son projet. Très souvent, l’expérience et l’intime sont au coeur des motivations.
Debmalya Roy Choudhuri pose la question de l’affirmation de soi dans la société, Rahim Fortune présente un travail autobiographique, débuté au chevet de son père malade, et qui se poursuit dans une Amérique bousculée par le Covid et le meurtre de Georges Floyd, qui a déclenché le mouvement Black Lives Matter.
L’artiste russe Olga Grotova, qui vît et travaille à Londres, revient sur l’histoire de sa grand-mère en Oural. Mika Sperling, autre artiste russe, tente de se réconcilier avec son passé et les abus de son grand-père, dans un travail entre textes et photos de famille où son grand-père est découpé, comme pour se reconstruire après le traumatisme caché depuis sa jeunesse.
Daniel Jack Lyons rejoint une Maison de la Jeunesse au Brésil où certains jeunes queer et trans, entre espoir et désillusion, acceptent de poser pour lui, réaffirmant leur identité. Le duo artistique brésilien G & H aborde l’image et les violences faites aux personnes LGBTQIA+ à travers des photos symboliques d’objets.
Seif Kousmate explore les oasis du Maroc, territoires en danger en raison de la surexploitation et de la sécheresse. Il utilise des procédés destructeurs sur ses images pour exprimer la dégradation des points d’eau de ces anciennes réserves de biosphère. Celeste Leeuwenburg aborde, à travers un film, sa filiation avec sa mère, entre patrimoine culturel et familial.
Le travail de Maya Inès Touam, enfant d’immigrés algériens, s’intéresse à la créolisation de la culture, en mélangeant l’oeuvre d’Henri Matisse avec des références artistiques à l’Afrique.
En mêlant photo et sculpture, Akeem Smith revient sur les soirées dancehall de Kingston en Jamaïque, un élément clé de l’identité nationale indigène.
Au cloître Saint-Trophime, Sathish Kumar nous donne à voir le quotidien d’un garçon de village en Inde du Sud, comme un journal photographique depuis son adolescence à aujourd’hui, désormais âgé de 36 ans. Arash Hanaei et Morad Montazami, artistes iranien et français, mêlent architecture utopique des années 1960-1970 au métavers et à la réalité augmentée, avec une exposition qui aurait pu faire partie du thème Expérimenter.
Ground Control, friche de la SNCF, expose les travaux de Cassandre Colas et Gaëlle Delort, deux diplômées de l’Ecole Nationale Supérieure de la Photographie. L’espace Croisière présente quant à lui le travail de Pierfrancesco Celada, artiste italien installé à Hong-Kong depuis 2014 et qui dresse un portrait photographique de ce territoire aux réalités complexes et multiples.
La photographie, plus qu’un moyen de réaliser des images, permet aussi de témoigner d’une réalité. Sous le thème Explorer & Témoigner, les Rencontres d’Arles présentent plusieurs projets photographiques d’observation, d’investigation ou de reportage. Si un arbre tombe dans une forêt regroupe par exemple le travail de plusieurs artistes qui s’intéressent aux vides et aux silences photographiés. Bruno Serralongue explose Les gardiens de l’eau, une enquête sur la lutte des Indiens Sioux de la réserve de Standing Rock aux Etats-Unis contre l’enfouissement d’un pipeline sous le fleuve Missouri, menaçant leur “terre sacrée”.
Julien Lombardi. Kauyumari, le cerf bleu, série La terre où est né le soleil, Mexique, 2017-2021
Julien Lombardi, photographe français entre Marseille et Mexico, a enquêté sur Wirikuta, une terre riche en mythes fondateurs mexicains. Léa Habourdin a quant à elle documenté pendant 2 ans les forêts protégées de France, et a réalisé des anthotypes, tirages créés à partir de matériel photosensible de plantes, mais sensibles à la lumière, donc éphémères.
Le duo de photographes de Ritual Inhabitual a enquêté sur la monoculture forestière au Chili et ses conséquences écologiques et politiques. A Ground Control, l’exposition collective Documents Imaginés montre la mise en scène de certaines photos “imaginées”, où chaque élément (cadre, décor, éclairage, sujets) est contrôlé, pour une photographie irréelle mais vouée à recréer des moments véçus. Une pratique fréquence en Asie du Sud.
Ritual Inhabitual. Paul Filutraru, rappeur du groupe Wechekeche ñi Trawün, Santiago du Chili, 2016
Au Musée départemental Arles Antique, une exposition collective montre la vie “telle qu’elle est” aux Etats-Unis avec des travaux de type “post-documentaires”, qui n’offrent pas d’histoire à raconter, si ce n’est des clichés montrant la vie. à l’ENSP, l’artiste Estefanía Peñafiel Loaiza suit en images les pas d’une certaine Carmen, femme disparue en Equateur après avoir rejoint un mouvement révolutionnaire. Le récit alterne entre recherche documentaire et fiction, troublant le témoignage.
Enfin, si Arles s’intéresse à la photographie contemporaine, le festival offre également une grande place à l’histoire. Cette année, une grande exposition est dédiée à Lee Miller, femme photographe dont la carrière a subit de nombreux bouleversements.
Dans l’exposition Lee Miller, photographe professionnelle (1932-1945), on découvre le parcours étonnant de cette photographe américaine. À New York, elle est portraitiste et dispose de son studio de prise de vue, où elle réalise des photos de mode et de publicité.
Mais Lee Miller a également été photographe de guerre à partir de 1942, en devenant correspondante de guerre accréditée par l’armée américaine pour le magazine Vogue. Elle est ainsi au plus proche des forces armées et publie plusieurs reportages photo et textes. D’ailleurs, la qualité de sa plume (et de ses images) en font la coqueluche des éditeurs de magazine. Sans renier la photographie de mode, Lee Miller continue à photographier des scènes de mode dans la rue.
En 1945, elle accompagne l’armée lors de la libération des camps de concentration allemands de Buchenwald et Dachau et documente les prisonniers amaigris, les corps empilés, les fours crématoires.
De leur côté, la Croix Rouge et le Croissant Rouge proposent Un Monde à Guérir, une exposition regroupant plus de 160 ans de photographie issues des archives des deux organismes. Plus de 600 photos sont exposées au Palais de l’Archevêché. D’ailleurs, la création du Comité internationale de la Croix Rouge (1863) et l’invention de la photographie (1839) sont si proches que la photographie a toujours servie a montrer la réalité des drames sur le terrain ainsi que l’aide humanitaire apportée.
Au fil du temps, la photographie est passée d’outil de communication à un outil de témoignage, avec la figure du photographe professionnel dépêché sur le terrain. L’agence Magnum Photos a notamment beaucoup collaboré avec le CICR.
Dans cette exposition, on découvre la photographie mobilisatrice comme moyen de communication de masse avec les images de crises et de souffrance, qui permet de lever des fonds. La photographie permet aussi de montrer la réalité du terrain, du côté des victimes, ainsi que l’aide apportée par la Croix Rouge, logistique et humaine.
A l’espace Van Gogh, l’association Let’z Arles, qui a pour but de pouvoir la photographie luxembourgeoise, revient sur l’oeuvre du photographe Romain Urhausen, en faisant dialoguer ses clichés avec d’autres contemporains. Urhausen est à la croisée de deux écoles, l’école française humaniste et l’école allemande subjective. Dans ses clichés, la réalité du quotidien est traité avec réalisme et humour, couplé à une approche assez plasticienne, voire expérimentale dans certains cas. L’expo nous montre le quartier des Halles à Paris avant que le marché ne soit déplacé à Rungis, puis petit à petit, en avançant dans l’exposition, on découvre des œuvres plus abstraites. Au final, ce qui nous marque c’est sa manière de regarder différemment le monde.
A l’Abbaye de Montmajour, c’est l’Inde de 1978 à 1989 qui est à l’honneur avec Mitch Epstein, qui signe l’affiche du festival cette année. Sur cette période, il voyagea 8 fois en Inde, découvrant le pays à la fois comme touriste mais aussi de l’intérieur grâce à son épouse indienne.
En plus des expositions présentées plus haut, Arles accueille plusieurs autres expos dans le cadre de Arles Associé. Pour cette édition, la fondation Luma présente James Barnor à La Tour Luma, la première rétrospéctive de cet artiste en France. Des photos de 1947 à 1987 présente le travail du photographe ghanéen à travers un portfolio d’images retraçant son parcours, de son studio photo à Accra à Londres, puis son retour de Londres à Accra pour ouvrir le premier labo de développement couleur du Ghana, avant de retourner à ses premiers amours, le studio photo et les portraits, que ce soit de famille ou pour des publicités.
Sandra Rocha et Perrine Géliot, pour la première édition du Pernod Ricard Arts Mentorship, racontent un récit poétique sur le Chiappas au Mexique, où la photographie, la vidéo, le son et la sculpture sont convoqués pour une expérience unique.
L’exposition Katalog de Barbara Iweins, récemment publiée chez Delpice & Co, présente le travail d’inventaire photographique minutieux des 12 795 objets qu’elle possédait.
Plusieurs autres expositions de Katrien de Blauwer, Joan Fontcuberta, Pilar Rosado, Klavdij Sluban, Julia Gat, Julien Gester, Jacqueline Salmon, Lionel Roux, Ezio d’Agostino ainsi qu’une quarantaine d’artistes réunis dans le programme Dress Code à la Fondation Manuel Rivera-Ortiz abordent de nombreux sujets de société, à travers des mediums photographiques et visuels variés.
Spiritual Fabrics, Delphine BLAST & Bruno CATTANI
Mentionnant également l’ovni de Fisheye Immersive, avec Le Voile Interposé, une exposition qui questionne la frontière entre le réel et virtuel à base d’intelligence artificielle, de metaverse et de NFT.
Enfin, on notera que les Rencontres d’Arles s’étendent au-delà de Arles avec une fois encore le programme Grand Arles Express. Ainsi, Aix-en-Provence accueille deux expositions : Italia Discreta, une incursion photographique italienne avec Bernard Plossu et François-Marius Granet au Musée Granet, et Le Langage Silencieux, une exposition collective réunissant une cinquantaine de photos issues de la collection de la MEP, pour explorer les relations entre le photographe et son modèle.
Avignon, Châteauvert, Le Puy-Sainte-Reparade, Mougins ainsi que Marseille, Port-de-Bouc, Saint-Rémy-de-Provence et Toulon accueillent plusieurs expositions, dont Lucien Clergue (Toulon) et Mathieu Pernot (Marseille).
Tout au long de l’été, le festival photo d’Arles sera également marqué par des stages photo, événements photo, journées professionnelles ainsi qu’un événement jeune public en septembre.
Retrouvez le programme complet sur le site des Rencontres de la Photographie d’Arles.
Damien roué
Le président du festival a présenté ce mercredi le programme d’une édition qui signe le retour à la «normalité» après deux années contrariées, et alors que la guerre en Ukraine souligne l’importance des photographes. Au menu: un dialogue entre l’image et la performance.
publié le 23 mars 2022 à 20h06
L’émotion était palpable ce mercredi au ministère de la Culture pendant la conférence de presse des 53es Rencontres de la photographie d’Arles, qui se tiendront du 4 juillet au 25 septembre. Après deux ans d’interruption – une année blanche pour le festival en 2020, une édition limitée en 2021 –, la traditionnelle messe déroulant le programme des réjouissances faisait son retour rue de Valois pour annoncer, enfin, une voilure «normale» du festival. C’est pourtant le regard tourné vers la guerre en Ukraine que tous les intervenants ont rappelé le rôle clé des photographes et l’importance de leurs images dans la construction des histoires individuelles et de l’Histoire tout court. Hubert Védrine, président des Rencontres, tout en annonçant solennellement «la fin de la mondialisation heureuse», s’est réjoui qu’à Arles, les échanges entre toutes les nationalités puissent encore se faire, malgré la formation de «nouveaux blocs». On retrouvera donc cet été au festival des Bouches-du-Rhône des photographes américains, russes, chinois, indien, jamaïcain, égyptien, marocain, sud-africains, ougandais, ghanéen, norvégien… Et surtout de nombreuses femmes photographes, ce que n’a pas manqué d’applaudir la ministre de la Culture. En ouvrant le bal, Roselyne Bachelot-Narquin s’est aussi félicitée de l’attention que le quinquennat Macron porte aux photographes, fragilisés par la crise sanitaire, via la grande commande publique pilotée par la BNF et la publication in extremis du rapport Franceschini. La ministre a promis qu’elle établirait avec ses équipes un calendrier concret de mise en œuvre des préconisations dudit rapport.
Quant au programme des expositions, divulgué par le duo Aurélie de Lanlay, directrice adjointe, et Christoph Wiesner, nouveau directeur depuis 2020, il a tout pour être musclé, plasticien et alléchant. Pas moins de 40 expositions à Arles et 15 expositions hors les murs dans le cadre du Grand Arles Express (rejoint par 6 nouvelles institutions partenaires) sont annoncées – impossible de toutes les citer ici. Néanmoins, cette année, le festival semble creuser le sillon original des liens entre image et performance, sillon dans lequel se sont engouffrées des créatrices qui ont exploré les champs alternatifs à la peinture (médium squatté par les hommes dans les années 70). C’est ce que montrera la collection Verbund, venue de Vienne, dans laquelle figurent par exemple Cindy Scherman, Ana Mendieta, Martha Rosler… A l’affiche aussi, la photographe et cinéaste Babette Mangolte, témoin privilégiée de la scène chorégraphique new-yorkaise, et Susan Meiselas qui se lance dans un projet à quatre mains avec une musicienne.
Dans la veine de la performance, Noémie Goudal prendra ses quartiers dans une exposition à Arles avec un travail poétique sur le réchauffement climatique, mais aussi dans une performance à la Collection Lambert à Avignon, illustrant le rapprochement entre photographie et spectacle vivant souhaité par le festival. Autre femme puissante célébrée à Arles cet été : Lee Miller, qui n’est pas seulement la photographe de guerre qu’on connaît, autrice de clichés de Dachau et de Buchenwald, mais aussi une grande professionnelle de la publicité et du studio. En écho à l’urgence en Ukraine, le fonds photographique de la Croix-Rouge se déploiera au Palais de l’archevêché dans une exposition qui couvrira cent soixante ans d’aide humanitaire.
Beaucoup de talents à découvrir et des signatures connues sont attendus. La chinoise Wang Yimo, lauréate du Jimei x Arles Discovery Festival, nous transportera dans une usine désaffectée en Chine et Sathish Kumar dans le sud de son pays, l’Inde, qu’a aussi explorée l’Américain Mitch Epstein dans les années 80 en compagnie de son ex-femme, la réalisatrice Mira Nair. Arles annonce aussi des expositions de Bruno Serralongue, Léa Habourdin et Julien Lombardi. D’autres talents seront à découvrir : Frida Orupabo, Sandra Brewster, Romain Urhausen, Lukas Hoffmann (qui court après des anonymes avec sa chambre photographique), Julia Gat et Julien Gester (journaliste à Libération). On verra des stars du milieu : Paul Graham en tant que commissaire d’exposition, James Barnor au Luma, Joan Fontcuberta à Croisière, Tom Wood, Mathieu Pernot, Bernard Plossu, Klavdij Sluban, Thomas Mailaender à Marseille… On ressent aussi une grande curiosité, à l’heure qu’il est, pour Barbara Iweins, qui a photographié de façon méthodique et obsessionnelle les 12 795 objets de sa maison pendant deux ans. Il sera aussi question de nouvelles technologies, et plus précisément du cloud dans une exposition sur les nuages, de réalité augmentée, de métavers et, bien sûr, de NFT (avec Fisheye). Impossible, à vue de nez, de s’ennuyer à Arles cet été.
The Steenbergen Stipendium Public Award 2021 went to WdKA alumni Julia Gat. It is the oldest photography award in the Netherlands and has been accompanied by an exhibition of the nominees’ work in the Nederlands Fotomuseum ever since its first edition. Julia's work, together with the other four nominees, is exhibited there from 3-12-2021 until 13-02-2022. In this short interview, she tells more about the winning project 'khamsa khamsa khamsa', her choice to study at WdKA and her plans for the future.
Read MoreWe present to you Julia Gat, a recent Photography and Fine Arts graduate from the Willem de Kooning Academy (WdKA). We had the pleasure to go to her graduation show earlier this June and we were so mesmerized by her work that we had to interview her for TheFuglyGenZ Magazine. What inspired this exhibition? Why did she choose WdKA? How was life in New York? How has the pandemic affected the arts for young creatives? This and so much more is answered by joyous Julia in this second episode of GenZ Genetics.
Dans le cadre de la 5e édition du programme international Blurring the lines, 21 diplômés offrent un panorama de la jeune création photographique néerlandaise. Au-delà des formes classiques, tous cherchent à explorer les potentialités techniques du médium et à repenser ses dispositifs de présentation.
Avec Eline Benjaminsen (KABK), Marina Caneve (KABK), Sterre Fenna van der Waals (WdKA), Anna Kieblesz (KABK), GilleamTrapenberg (KABK), Chaïm Dijkstra (HKU), Debbie Schoone (AKV|St. Joost), Frijke Coumans (AKV|St. Joost), Naomi Jansen, (WdKA), Viktor Naumovski (KABK), Fleur Jakobs (AKV|St.Joost), Isa de Jong (AKV|St. Joost), Frédérique Scholtes (HKU), Jonna Bruinsma (HKU), Boris Lutters (HKU), Tibor Dieters (KABK), Julia Gat (WdKA), Silvy Crespo (KABK), Zoë Sluijs (AKV|St. Joost), Lisbeth Luft (WdKA), et Daan Russchier (HKU).
FOTODOK
SPACE TO SEE, THINK AND LEARN
Fondé en 2008 à Utrecht (Pays-Bas), FOTODOK est un espace d’exposition et de formation dédié à la photographie documentaire.
fotodok.org
BLURRING THE LINES
Blurring the Lines est un programme dédié à la jeune création photographique développé par FOTODOK en partenariat avec Paris College of Art (FR) et Urbanautica Institute (IT). Chaque année, un jury sélectionne les contributions des cinq meilleurs diplômés d’académies internationales, qui feront ensuite l’objet d’une publication, d’une exposition et d’un cycle de conférences.
Commissaire Jenny Smets
I was wondering when we would all be together again. It has become so rare for all of us to be home at once, for more than a few days. Yet suddenly, out of nowhere, we are all here: 5 siblings, 2 parents, 7 cats and a dog. It felt like a time traveling tunnel, bringing us ten years back. The old jokes, habits of interaction and group dynamics felt familiar and reassuring—a family recharging its batteries.
My camera was redirected at my four younger siblings: Nina (20), Michael (18), Jonathan (15), and Sara (13), who used to be my primary models when I was starting out with photography. For as long as I can remember, I would observe and document our daily banalities. And once again, during lockdown: from mid-March till mid-May, we only went out for groceries, jogging and walking our dog Ringo.
The sibling group bubble not only came back, but became our main occupation. We opened up the archive and looked at stills and videos we’ve made in the past years. As children, we used to film each other as a form of game–we would pretend to be journalists on news shows, sellers making ads for random products or musicians in music videos.
We grew up with an informal learning philosophy, as opposed to the traditional school system. My siblings have been my primary subjects in terms of human interaction, especially during those in-between moments of daily life. The conversation about the candy bars came up at the beginning of the lockdown. We had just finished a marathon of Tarantino films and the opening scene of Reservoir Dogs got stuck in my head—a group of characters, sitting around a table, talking about insignificant topics. I liked this indirect way of unfolding personalities and, subsequently, based my new short film around it.
Parallel to my interest in group dynamics, I have also been working on a visual research about androgyny and its complex interrelationship between gender and sexuality, something that often arises throughout adolescence. While gender and sexual expression are commonly explored in today’s art and media fields, this project aims to shed light on the visual aspect of the androgynous look, where it is possible to mix masculine and feminine attributes. With Lydia’s input and using her costumes, it became a visual examination celebrating the positive abstraction and freedom of genderless expression.
I met Julia when she was a young girl. I watched her grow up and mature as a photographer. Through unschooling her parents encouraged all of their children to explore the world, develop their curiosity and potential. It’s always a great pleasure when our two families get together. We share the same outlook on life.
I was working on my collection of dresses when Julia told me she was looking for some outfits for her short film. I have wanted to create a universal collection for a while. I work with monochromatic shades of white. For me, this is symbolic of a blank page—the beginning. This pure surface allows me to add some patterns and colors: stitches of black thread, sewn by hand or some embroidered black lines. I developed a palette of materials and techniques: patchwork, fringes, knitting, and embroidery.
The outfit with fringes is a mix of a short dress with textile pieces. It was put together by Nina herself. She saw herself as a bird-woman. The one worn by Michael is a short dress with long sleeves; the cuffs are knitted. He wears it like a sweatshirt. His style is cool and hip and he gives it a genderless vibe. Another ensemble is a combination of two patchworks which Jonathan drapes over his shoulders. On his face he wears a mask—a piece I created during the lockdown. He looks like a modern-day warrior. The white dress with lines embroidered in black beads is worn by Sara. I wonder if she chose this pattern to match her dog?
Depuis 2010, Julia Gat, âgée alors de 13 ans, photographie le quotidien de ses frères et sœurs, qui ne sont pas scolarisés et qui, comme elle auparavant, suivent des cours et des activités choisis par rapport à leurs propres centres d’intérêt. Elle a élargi ensuite son propos aux enfants d’autres familles éduqués de même en France, en Israël, puis aux Pays-Bas. Ce travail, nommé Unbringing, empli de couleurs et d’énergie, illustre une certaine idée de la liberté de l’enfance et a convaincu le jury du prix Isem (ImageSingulières, ETPA, Mediapart) pour la photographie documentaire, qui lui a accordé le prix Jeune 2020 (pour les autres prix décernés, lire ici).
« Upbringing (2010-2020) est une série photographique documentant l’enfance épanouie. Des jeunes, en plein jeu ou en voyage, animent ces corps libres, débordants d’énergie. Leurs dynamiques de groupe, à la limite de la chorégraphie, me servent comme terrain de recherche visuelle sur la relation de l’individu à son environnement, écrit Julia Gat en guise de présentation de son travail. Les contrastes et couleurs vives reflètent la pureté de leur quotidien, une certaine fraîcheur. »
« La particularité de ces enfants repose sur leurs environnements éducatifs : des modèles alternatifs. […] Une sensation de liberté et de curiosité ludique stimule le développement, le changement, l’apprentissage. Upbringing va au-delà de la documentation traditionnelle pour représenter l’enfance d’une manière inédite : il permet ainsi de questionner notre perception du processus éducatif, surtout lorsque l’apprentissage se retrouve dans tous les aspects de la vie. Au fil des années, le projet développe une volonté de mettre en lumière la multiplicité des formes éducatives, dans ce monde en transition. »
[…]
« Upbringing est une invitation ouverte à jeter un regard actif sur le monde autour de nous, une contemplation de ces moments d’entre-deux qui composent notre quotidien. En contribuant à la discussion sur la photographie comme catalyseur de changement positif, Upbringing célèbre la recherche d’innovation dans l’éducation, la possibilité d’une enfance plus libre. »
Retour en images sur cette semaine. Vincent Curutchet a déambulé dans les rues désertes de la capitale française en plein confinement, pour capturer un Paris transfiguré. Avec Les Mois Noirs, Stéphane Lavoué signe un portrait sombre et poétique de la Bretagne, sa terre d’adoption. Inspirée par sa propre enfance, Anne-Charlotte Moulard capture, dans Le sentiment absent, une ville de bord de mer vide et minimaliste. Enfin, Fisheye lance sa gamme de masques de protection ! Rendez-vous sur notre boutique en ligne pour vous les procurer. Chaque image raconte une histoire, il faut cliquer sur les légendes pour les découvrir.
LOU TSATSAS
Les Prix ISEM, consacrés à la photographie documentaire, ont récompensé cette année deux lauréats : Christian Lutz et Julia Gat. Deux auteurs développant des visions aussi dissemblables que nécessaires.
Depuis trois ans, ImageSingulières, l’ETPA et Mediapart s’associent pour décerner deux prix photographiques, destinés à accompagner des auteurs dans la réalisation d’un projet sur lequel ils travaillent depuis plusieurs mois, voire plusieurs années. Lors de cette édition, près de 220 candidats ont présenté au jury leurs travaux. Christian Lutz, photographe suisse a remporté le Grand Prix ISEM, ainsi qu’une dotation de 8000 euros pour poursuivre Citizens. Le Prix Jeune Photographe ISEM – dédié aux moins de 26 ans – a quant à lui été attribué à l’auteure d’origine israélienne Julia Gat, qui reçoit 2000 euros pour développer son travail sur les enseignements alternatifs.
Explorant différentes formes d’écritures photographiques, les lauréats s’intéressent tous deux aux enjeux sociétaux. Dans Citizens, Christian Lutz documente les mouvements populistes en Europe. « Leurs arguments nous renvoient à nos frontières physiques et symboliques, préparent le terrain de la guerre sociale, des phobies, des asphyxies de la pensée, et du lien humain », déclare le photographe. Après la Hongrie, le Royaume-Uni, la France, la Pologne, l’Autriche, l’Allemagne et la Suisse, ce dernier entend développer son projet en Italie, Espagne, Grèce, Serbie et Slovaquie. Un panorama glaçant des villes européennes dont « les municipalités sont entre les mains de partis populistes de droite, glissant pour certains vers le fascisme », précise-t-il.
Passionnée par le monde enfantin, Julia Gat s’intéresse quant à elle aux jeunes qui suivent un enseignement alternatif, sans école obligatoire. Une éducation qui lui est familière. « Lorsque j’étais petite, j’ai pratiqué la non-scolarisation. J’ai eu accès à un système personnalisé, préconisant des cours et des activités choisis par rapport à mes centres d’intérêt », confie-t-elle. Entre spontanéité et mise en scène, elle signe un portrait frais et coloré d’une enfance libérée. De l’extrémisme à l’insouciance, à travers cette nouvelle édition, les Prix ISEM réaffirment leur volonté d’encourager la diversité remarquable de la photographie documentaire.
Le Grand Prix ISEM 2020 vient d’être attribué au photographe suisse Christian Lutzpour son projet « Citizens ». Ce travail documente les mouvements populistes en Europe, dont les « arguments nous renvoient à nos frontières physiques et symboliques ; préparent le terrain de la guerre sociale, des phobies, des asphyxies de la pensée et du lien humain », écrit le photographe qui s’est déjà rendu depuis plusieurs années en Hongrie, au Royaume-Uni, en France, en Pologne, en Autriche, en Allemagne et en Suisse, « sur des lieux (des villes) dont les municipalités sont entre les mains de partis populistes de droite glissant pour certains vers le fascisme ». Grâce au prix d’un montant de 8000€, le photographe va continuer son périple en Italie, Espagne, Grèce, Serbie et en Slovaquie. Ce travail sera exposé en 2021 au festival photographique de Sète, ImageSingulières.
http://www.christianlutz.org/
Les projets de quatre autres photographes ont également retenu l’attention du jury pour ce Grand Prix :
– Brigitte Grignet (Belgique), avec un travail sur la Pologne à l’heure du parti ultraconservateur, le PIS
– Cristóbal Olivares (Chili) sur les violences exercées à l’encontre des Mapuches au Chili, violences autant psychologiques que policières ;
– Alessandro Penso (Italie) sur les camps de réfugiés du centre de l’Europe, notamment traversés par l’épidémie du coronavirus ;
– Mélanie Wenger (France) qui raconte l’industrie de la chasse aux animaux d’Afrique aux États-Unis à travers l’histoire d’une famille de ranchers texans.
Le Prix Jeune Photographe qui récompense un·e jeune photographe résidant en France, de moins de 26 ans, a été remis cette année l’a photographe israélienne vivant à Marseille, Julia Gat avec sa série Upbringing. La série primée documente l’enfance épanouie : des jeunes, en plein jeu ou en voyage, animent ces corps libres, débordants d’énergie. Leurs dynamiques de groupe, à la limite de la chorégraphie, me servent comme terrain de recherche visuelle sur la relation de l’individu à son environnement. Les contrastes et couleurs vives reflètent la pureté de leur quotidien, une certaine fraîcheur. La particularité de ces enfants repose sur leurs environnements éducatifs : des modèles alternatifs.
Depuis 2010, je photographie le quotidien de mes frères et soeurs qui sont non-scolarisés : grandissant dans une structure personnalisée, nous avons suivies des cours et des activités choisis par rapport à nos propres centres d’intérêt. En 2014, j’élargi ma pratique et documente la communauté des familles non-scolarisées en France et en Israël.Une sensation de liberté et de curiosité ludique stimule le développement, le changement, l’apprentissage. Upbringing va au-delà de la documentation traditionnelle pour représenter l’enfance d’une manière inédite : il permet ainsi de questionner notre perception du processus éducatif, surtout lorsque l’apprentissage se retrouve dans tous les aspects de la vie. Au fil des années, le projet développe une volonté de mettre en lumière la multiplicité des formes éducatives, dans ce monde en transition. La série continue donc en 2018, au sein de l’école Montessori De Korg à Rotterdam, avec le souhait de s’ouvrir à d’autres structures alternatives dans le futur.
Upbringing est une invitation ouverte à jeter un regard actif sur le monde autour de nous, une contemplation de ces moments d’entre-deux qui composent notre quotidien. En contribuant à la discussion sur la photographie comme catalyseur de changement positif, Upbringing célèbre la recherche d’innovation dans l’éducation, la possibilité d’une enfance plus libre.
Deux autres travaux ont aussi particulièrement retenu l’attention du jury :
– Benoît Durand, sur les ravages du chlordécone, un pesticide organochloré toxique, aux Antilles
– Lauren Pearso sur un groupe de militant.e.s anarchistes, féministes, anticapitalistes vivant de squatt et d’actions sociales.
Les Prix ISEM de la photographie documentaire sont attribués chaque année par le festival ImageSingulières, l’ETPA et Médiapart.
http://prixisem.imagesingulieres.com/laureats.php
Ericka wiedmann
TESTE - véhicule poétique is a French quarterly paper magazine showcasing international poets and inviting visual artists to present their work alongside. I am excited to be showing an exclusive selection of photographs for this summer's edition, launched recently at Le Carré des Mots in Toulon and presented at the Centre international de poésie Marseille.
The 19 authors are Marie de Quatrebarbes & Maël Guesdon ; Kadhem Khanjar (Irak) ; Stéphane Nowak Papantoniou ; Johan Grzelczyk ; Liliane Giraudon ; Vincent Tholomé (Belgique) ; Frank Smith ; Maïss Alrim Karfoul (Syrie) ; Patrick Sirot ; Fabrice Caravaca ; Cédric Lerible ; Paul Antoine ; Laurent Bouisset ; Ada Mondès ; Luca Valerio (Italie) ; Les 3 Juliens Julien Blaine & Julien d'Abrigeon & Julien Boutonnier. This project is made possible by the collective TESTE, Centre international de poésie Marseille, Le Carré des Mots, Reprosystemes 83 and la Ville de Toulon.
When I turned 20, realising I had concluded a decade of my youth, I wanted to create a capsule as an ode to it. It’s my way of remembering my childhood and puberty, two important phases of my growth by channeling my memories, feelings and thoughts to materialise them into my craft.
I chose early on, to name this capsule “On verra demain” , meaning “we’ll see tomorrow” in french, because it’s the thought/philosophy I have grown with up to now. It has helped me with overthinking things that didn’t matter and appreciate the present moment.
I chose to work with formal suit silhouettes because through most of my youth, I have seen it as a figure of the “grown up person”. Therefore contrasting the rather sober aesthetic of the suit with the emotional representation of memories.
The process mainly revolved around the search of symbols for each stage of youth and implementing those onto suits. Each element is chosen to communicate the collective memory most of us have of our childhood and puberty. Each suit represents a different stage of youth, namely childhood, adolescence and now.
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I associated the nonchalant style of children sketches with the careless attitude of childhood. I like the idea of the child that draws on doors, tables and walls, this time he does it on his dad’s suit.
Even though most people associate teenage years wild, reckless, mischievous behaviour, I experienced them as a period of awakening. I remember myself as constantly trying to mature my thoughts and by doing so, find the ones that shaped me. Around the conclusion of my adolescence I discovered an ad made by Baz Luhrmann ( director of Romeo+Juliet). Called “ Everybody’s free to wear sunscreen” (1999) the video starts off as advertisement for sunscreen but turns into a beautiful life advice discourse. All the wisdom the young me was looking for was displayed in this ad. I consider that it has greatly shaped me as a person and hence wanted to use it as a source for the capsule.
Suit Childhood & Adolescence
Julia Gat (Follow her Instagram)
Suit Now
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C’est le jeune photographe britannique de tout juste 30 ans qui vient de remporter l’édition 2019 de la Résidence BMW à Gobelins, l’école de l’image. Dès septembre il débutera son programme artistique sous la houlette de François Cheval.
Ce sont près de 250 candidats venus des quatre coins du monde qui se sont présentés pour cette 8ème édition. Huit photographes* ont été sélectionnés pour présenter leur projet devant le jury et c’est celui de Lewis Bush qui a remporté la décision finale. Son projet« Ways of Seeing Algorithmically » a séduit les membres du jury** de par son approche critique du fonctionnement de l’image contemporaine. Il met en scène les contradictions actuelles du statut de l’image en proposant une relecture de l’ouvrage de référence de John Berger.
Lewis Bush part d’un moment considéré comme historique dans le domaine de la critique des arts visuels, le livre de John Berger « Ways of Seeing ». L’ouvrage publié en 1972, d’après une série d’émissions télévisées, faisait le constat que la sphère de la représentation est en permanence en surcharge d’informations « obscures ». Notre « façon de voir » ne serait que la conséquence d’un ensemble de normes : « voir dépend d’habitudes et de conventions ». John Berger appelait de ses voeux la nécessité d’un regard critique sur le monde des images, la constitution d’une « conspiration des orphelins ». L’ambition de Lewis Bush a la volonté et l’orgueil de réactualiser « Ways of Seeing ».
Le projet intitulé « Ways of Seeing Algorithmically » vise à « faire quelque chose de semblable pour le nouveau système visuel d’algorithmes et d’intelligence artificielle ». En liaison avec Richard Hollis, qui exécuta la maquette graphique de l’ouvrage original, Lewis Bush le réinterprète en l’illustrant et en le contaminant par ses propres recherches sur l’actualité du médium. « Ways of Seeing Algorithmically », le projet, doit prendre la forme adaptée à la question de l’actualité technologique des images, une application gratuite pour mobile, renvoyant à l’ouvrage de John Berger et aux commentaires de Lewis Bush. Il s’inscrit dans la continuité des travaux précédents, une entreprise de relation entre l’image mécanique, les contraintes sociales et « l’innovation ».
Né en 1988, Lewis Bush est un photographe, écrivain, conservateur et éducateur. Il a travaillé pour l’Organisation des Nations Unies puis a commencé à pratiquer la photographie documentaire en 2012. Son travail explore diverses formes de pouvoir contemporain, de l’impact destructeur du redéveloppement des entreprises sur sa ville natale de Londres, aux inégalités systémiques du monde de l’art. Les projets de Bush ont été présélectionnés, notamment pour le Tim Hetherington Visionary Award 2017, le Prix du livre Luma des Rencontres d’Arles, le Prix du livre Photo Espana et le Bar Tur Photobook Award. Entre 2011 et 2016, il a également dirigé Disphotic, un blog sur la photographie et la culture visuelle. Il a organisé de nombreuses expositions et enseigne les cours de photojournalisme et de photographie documentaire au London College of Communication.
*Les autres photographes sélectionnés étaient Delphine Burtin (France – 1974), Julia Gat (Israël – 1997), Sukayana Gosh (Inde – 1973), Lucie Khahoutian (Arménie – 1990), Davide Monteleone (Italie – 1974), Stéphanie Roland (Belgique – 1984) et Ioanna Sakellaraki (Grèce – 1989).
**Le jury de la Résidence BMW est composé de Maryse Bataillard, responsable du mécénat BMW Group France, Nathalie Berriat, directrice de GOBELINS, François Cheval, directeur artistique de la Résidence, Hervé Digne, collectionneur, Chantal Nedjib, présidente de l’image par l’image, Sam Stourdzé, directeur des Rencontres d’Arles, et Christoph Wiesner, directeur artistique de Paris Photo.
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BMW Art & Culture annonce le lauréat 2019 de la Résidence BMW à GOBELINS, l’école de l’image : le photographe Lewis Bush choisi par le jury.
28.05.2019 Communiqué de presse
Le jury de la Résidence BMW a désigné ce jour le neuvième lauréat depuis la création de la Résidence BMW en 2011. Le photographe Lewis Bush débutera, en septembre, sa résidence à GOBELINS, l’école de l’image sous la direction artistique de François Cheval.
Paris. Lewis Bush a été désigné lauréat de la Résidence BMW, le 22 mai. Une première sélection a permis à huit photographes émergents d’être auditionnés par le jury afin que celui-ci puisse s’immerger dans leurs projets. Les candidats ont ainsi présenté leurs travaux et leurs projets lors d’un entretien oral avec le jury, avant la délibération finale ce jour.
Les candidats auditionnés ont été choisis parmi 250 postulants ayant présenté des dossiers constitués d’une note de présentation de leur projet pour la Résidence BMW et d’images de travaux antérieurs.
Les candidatures reçues montraient une grande diversité de profils et de travaux. Les postulants étaient à parité des hommes et des femmes, un tiers d’entre eux de nationalité française, les autres postulaient de partout dans le monde.
Ainsi, les photographes Delphine Burtin, Lewis Bush, Julia Gat, Sukayana Ghosh, Lucia Khahoutian, Davide Monteleone, Stéphanie Roland, Ioanna Sakellaraki ont été présélectionnés par un comité composé de Jérôme Jéhel enseignant de GOBELINS, l’école de l’image, Jérôme Sother, directeur de GwinZegal, Emmanuelle Kouchner, fondatrice de la Compagnie culturelle, Chantal Nedjib, présidente de l’image par l’image, Maryse Bataillard, responsable du mécénat de BMW et François Cheval, directeur artistique de la Résidence.
Le jury de la Résidence BMW est composé de Maryse Bataillard, responsable du mécénat BMW Group France, Nathalie Berriat, directrice de GOBELINS, François Cheval, directeur artistique de la Résidence, Hervé Digne, collectionneur, Chantal Nedjib, présidente de l’image par l’image, Sam Stourdzé, directeur des Rencontres d’Arles, et Christoph Wiesner, directeur artistique de Paris Photo.
Il a sélectionné le projet de Lewis Bush qui l’a convaincu par l’approche critique du fonctionnement de l’image contemporaine. Son projet « Ways of Seeing Algorithmically » met en scène les contradictions actuelles du statut de l’image en proposant une relecture de l’ouvrage de référence de John Berger. Vincent Salimon, président du directoire de BMW Group France a souligné l’importance qu'avait "ce mécénat de création photographique qui permet à BMW d’investir de nouveaux champs de réflexion, aux côtés de partenaires d’une rigueur artistique incontestable, avec qui nous partageons les valeurs d’excellence et d’innovation."
Nathalie Berriat, directrice de GOBELINS se réjouit : " La résidence BMW ne cesse de voir son nombre de dossiers de candidatures progresser avec des propositions très variées du studio au documentaire, des approches conceptuelles et une dimension internationale grandissante. Nous sommes très fiers de contribuer à cette aventure et d'accueillir à GOBELINS le nouveau lauréat pour la 3e édition de la Résidence BMW. Nos étudiants photographes et l'équipe pédagogique ont hâte d'expérimenter à nouveau et d'explorer les champs des possibles avec l'artiste. Grâce aux ressources de l'école, le lauréat peut s'orienter sur tous types de travaux, des procédés anciens à la réalité virtuelle. Gageons que tous sortiront grandis de cette belle expérience."
LE LAUREAT 2019 DE LA RESIDENCE BMW A GOBELINS, L’ECOLE DE L’IMAGE.
Lewis Bush part d’un moment considéré comme historique dans le domaine de la critique des arts visuels, le livre de John Berger « Ways of Seeing ». L’ouvrage publié en 1972, d’après une série d’émissions télévisées, faisait le constat que la sphère de la représentation est en permanence en surcharge d’informations « obscures ». Notre « façon de voir » ne serait que la conséquence d’un ensemble de normes : « voir dépend d’habitudes et de conventions ». John Berger appelait de ses voeux la nécessité d’un regard critique sur le monde des images, la constitution d’une « conspiration des orphelins ».
L’ambition de Lewis Bush a la volonté et l’orgueil de réactualiser « Ways of Seeing ».
Le projet intitulé « Ways of Seeing Algorithmically » vise à « faire quelque chose de semblable pour le nouveau système visuel d’algorithmes et d’intelligence artificielle ». En liaison avec Richard Hollis, qui exécuta la maquette graphique de l’ouvrage original, Lewis Bush le réinterprète en l’illustrant et en le contaminant par ses propres recherches sur l’actualité du médium. « Ways of Seeing Algorithmically », le projet, doit prendre la forme adaptée à la question de l’actualité technologique des images, une application gratuite pour mobile, renvoyant à l’ouvrage de John Berger et aux commentaires de Lewis Bush. Il s’inscrit dans la continuité des travaux précédents, une entreprise de relation entre l’image mécanique, les contraintes sociales et « l’innovation ».
Né en 1988, Lewis Bush est un photographe, écrivain, conservateur et éducateur. Il a travaillé pour l'Organisation des Nations Unies puis a commencé à pratiquer la photographie documentaire en 2012. Son travail explore diverses formes de pouvoir contemporain, de l'impact destructeur du redéveloppement des entreprises sur sa ville natale de Londres, aux inégalités systémiques du monde de l'art. Les projets de Bush ont été présélectionnés, notamment pour le Tim Hetherington Visionary Award 2017, le Prix du livre Luma des Rencontres d'Arles, le Prix du livre Photo Espana et le Bar Tur
Photobook Award. Entre 2011 et 2016, il a également dirigé Disphotic, un blog sur la photographie et la culture visuelle. Il a organisé de nombreuses expositions et enseigne les cours de photojournalisme et de photographie documentaire au London College of Communication.
LE DISPOSITIF DE LA RESIDENCE BMW.
Le lauréat reçoit de BMW Group France une bourse de 8 000 €. Par ailleurs, l’entreprise finance la production des recherches et des oeuvres pendant la Résidence ainsi que les expositions personnelles montrées aux Rencontres d’Arles et à Paris Photo. Un livre est publié en coédition avec les éditions Trocadéro dans la collection BMW Art & Culture pour présenter l’intégralité du travail effectué pendant la résidence.
Le directeur artistique, François Cheval, accompagne le lauréat dans ses recherches. Il assure l’appareil critique et le commissariat des expositions.
GOBELINS, l’école de l’image coordonne le projet techniquement et scientifiquement. Le lauréat sera accompagné par l’équipe pédagogique et par un assistant-étudiant photographe en 3ème année. Il bénéficie des moyens techniques de l’école pour la réalisation.
BMW et GOBELINS partagent la même volonté de transmission et de diffusion des pratiques artistiques. C’est pourquoi BMW accompagne le programme d’égalité des chances créé par l’école, en donnant une bourse à deux étudiants pour leur cursus en photographie.
Initiée en 2011, la Résidence BMW est née du souhait de développer les pratiques photographiques contemporaines, de l’envie d’aller vers de nouveaux espaces de création. Menée pendant les 6 premières années au musée Nicéphore Niépce et désormais à GOBELINS, la Résidence BMW favorise l’émergence de talents et offre à ses lauréats un espace de libre expression, accompagne leur production artistique et permet une visibilité exceptionnelle auprès des professionnels et des amoureux de la photographie.
Ce mécénat de BMW Group France s’inscrit dans une politique de mécénat initiée il y a près de 50 ans par BMW Group qui soutient plus de 100 projets culturels dans le monde entier, dans l’art moderne et contemporain, le jazz et la musique classique, ainsi que dans l’architecture et le design contribuant ainsi à la diffusion de la connaissance et des arts. Dans chacun de ses partenariats, BMW Group garantit une liberté absolue aux artistes, car celle-ci est aussi essentielle à l’aboutissement d’un travail artistique novateur qu’à l’émergence d’innovations majeures dans une entreprise prospère.
Depuis 15 ans, BMW Group France soutient la photographie, en cohérence avec son activité fondamentalement basée sur l’innovation, l’esthétique et le plaisir de conduire. Cet engagement s’est d’abord concrétisé aux côtés de Paris Photo dans le Prix BMW – Paris Photo. Décerné pendant 8 ans, ce prix est devenu une référence internationale primant le travail d’artistes présentés par les galeries et contribuant au renouvellement du langage photographique. BMW est partenaire de Paris Photo depuis cette date. Ce soutien à la photographie s’est ensuite poursuivi avec le partenariat avec les Rencontres d’Arles, depuis dix ans avant de se renforcer en 2011, avec la mise en place de la Résidence BMW.
PRE-SELECTION DU JURY DE LA RESIDENCE BMW 2019
DELPHINE BURTIN
Née en 1974, Delphine Burtin vit et travaille à Lausanne (Suisse). Après des études en graphisme, elle travaille comme designer pendant plusieurs années. En 2011, elle étudie la photographie à l’École Supérieure d’Arts Appliqués de Vevey. L'année suivante, la série « Disparition » est présentée au Photoforum PasquArt et aux Boutographies à Montpellier. En 2013, sa série de fin d’études «Encouble» est sélectionnée pour le photobook de l’année Paris Photo, Fondation Aperture 2013. Elle remporte le 1er prix lors de l’exposition Sélection au Photoforum PasquArt, et elle est lauréate du Prix HSBC 2014.
JULIA GAT
Julia Gat, née en 1997 en Israël, est une photographe basée entre Marseille et Rotterdam. Elle a étudié les arts et les sciences humaines à l’Open University au Royaume-Uni, avant de rejoindre l’Académie Willem de Kooning de Rotterdam (Pays-Bas). Son travail a remporté le 1er prix du Festival Portrait (s) de Vichy en 2016 et a été ensuite sélectionné pour « Les Coups de coeurs » de Sylvie Hugues à la Maison Européenne de la Photographie à Paris en 2017. Il a été exposé en Europe et à New York et a été publié dans PHOTO Magazine, Fisheye Magazine, iGNANT, L'Oeil de la photographie, l'Insensé Photo et d’autres. Également intéressée par le commissariat d'expositions, Julia a créé la « Curatorial Family Business », mettant en lumière l’enjeu de son thème principal sur la documentation familiale. Julia travaille en tant que responsable des médias numériques pour la Compagnie Emanuel Gat Dance, pour lequel elle réalise des photos et vidéos sur la danse depuis 2016. Avec cette compagnie, Julia a récemment réalisé son premier court métrage pour la série « Monuments en Mouvement », tournée au Jardin du Palais-Royal à Paris et produit par Les Films Jack Fébus.
SUKAYANA GOSH
Né en 1973, vit et travaille à Calcutta. Artiste, cinéaste d'animation et dessinatrice dont la pratique se situe dans les domaines de la peinture, de la photographie, de l'animation et de l'image en mouvement. Après un Baccalauréat en peinture à la Faculté des Beaux-Arts de l’Université M.S de Baroda et un diplôme en animation de l’Institut National de design d’Ahmedabad, elle a été nommée pour le prix Charles Wallace India Trust et le Sarai Independent Fellowship. Elle reçoit des commandes pour l'ambassade de France en Inde, la Royal Commonwealth Society et l’organisme Motiroti au Royaume-Uni. Elle a été plusieurs fois en résidence d’artiste à Khoj, New Delhi, à Bristol dans les Spike Island, Royaume-Uni et à AIR à Vallauris, France. Son travail a fait partie de plusieurs expositions nationales et internationales.
LUCIE KHAHOUTIAN
Lucie Khahoutian est une artiste plasticienne née en 1990 à Erevan en Arménie. Elle est diplômée de l'école des beaux-arts Minas Avetysyan en 2010 et a obtenu un diplôme beaux-arts de l'Université américaine d'Arménie en 2012. Le travail de Lucie aspire à créer des rencontres enrichissantes entre la culture visuelle contemporaine occidentale et les fortes références arméniennes traditionnelles. Ses travaux abordent un large éventail de sujets tout en étant très axés sur la religion, la spiritualité et les questions mystiques. Elle a été finaliste au prestigieux Festival Photo Hyères en France, aux Voies Off à Arles et à la bourse PHMuseum. Elle fait partie des lauréats du Cracovie Photo Month 2017. Au cours des derniers mois, elle a été finaliste pour le New Vanguard Award et pour le prix Emerging Talents à Rome. Son travail a été exposé internationalement et publié dans de nombreux magazines. Elle est exposée dans le monde entier et ses oeuvres font partie des collections du Tbilissi Photography and Multimedia Museum et de la Villa Noailles. Elle fait partie du collectif Live Wild et réside actuellement à Paris, en France.
DAVIDE MONTELEONE
Davide Monteleone, né en 1974, est un artiste photojournaliste travaillant sur des projets à long terme de façon indépendante. Il se consacre à l'étude des problèmes sociaux, explorant les relations entre le pouvoir et l'individu. Il est connu pour son intérêt particulier aux pays post-soviétiques, sur lequel il a publié 4 livres : Dusha, Russian Soul en 2007, La Linea Inesistente, en 2009, Red Thistle en 2012, Spasibo en 2013 et The April Theses en 2017. Son travail a été récompensé par plusieurs Prix dont le World Press Photo, l’European Publishers Award et le prix Carmignac du photojournalisme. Il a également obtenu des bourses telles que l’Aftermath Grant.
Son travail est publié régulièrement dans la presse mondiale et ses projets photographiques ont été présentés sous forme d'installations, d'expositions et de projections dans des festivals et des galeries, dont le centre Nobel de la paix à Oslo, la galerie Saatchi de Londres, la Maison Européenne de la Photographie à Paris et le Palazzo delle Esposizioni à Rome.
STEPHANIE ROLAND
Stéphanie Roland, née en 1984, est une artiste plasticienne belge qui a étudié à l’ENSAV-La Cambre (Bruxelles) et à l’UDK (Berlin). Elle participe régulièrement aux jurys académiques des écoles d'art et donne des conférences sur sa pratique. Ses projets ont été intégrés à des expositions d'institutions majeures telles que le musée du Louvre (Paris), le musée Benaki (Athènes), le Botanique (Bruxelles), la Biennale internationale de l'art de Kampala et Bozar (Bruxelles). En 2017, elle a été sélectionnée pour une exposition lors de la 57e Biennale de Venise. Elle a remporté un nombre important de prix et de bourses, notamment la bourse de la fondation Vocatio, le prix Médiatine et le prix Full Contact du festival international de la photographie SCAN Tarragona. Elle a été sélectionnée pour le prix HSBC, le prix Leica Oskar Barnack et le Vevey International Photography Award.
IOANNA SAKELLARAKI
Née fin 1989, en Grèce, Ioanna Sakellaraki est basée à Londres. Diplômée en photographie, journalisme et culture, elle explore la fine ligne de démarcation entre isolement et obsession recherchant la connexion des humains et des lieux, à travers des formes personnelles et subjectives de photographie documentaire. Elle a montré son travail dans trois expositions solos et plusieurs festivals de photographie, notamment le Athens Photo Festival, le Kolga Tbilisi Photo Festival et le Retina Scottish International Photography Festival. Son travail, « Aidos », a été sélectionné pour le Prix Levallois 2018 en France et le Prix Urbanautica 2018. Elle a récemment été récompensée par le Prix de la Bourse postdoctorale de la Royal Photographic Society et a été nominée pour le Prix photographique RBSA au Royaume-Uni.
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BMW Group en France
BMW Group est implanté sur quatre sites en France : Montigny-le-Bretonneux (siège social), Tigery (centre de formation), Strasbourg (centre PRA international) et Miramas (centre d’essais techniques international). BMW Group emploie avec ses filiales commerciales et financières ainsi que son réseau exclusif de distribution plus de 5.000 salariés en France. En 2018, BMW Group France a immatriculé 84 931 automobiles des marques BMW et MINI et 15 645 motos et scooters de la marque BMW Motorrad.
Le volume annuel d’achats de BMW Group auprès des équipementiers et fournisseurs français se chiffre en milliards d’Euro. Parmi eux, citons Dassault Systèmes, Faurecia, Michelin, Plastic Omnium, St Gobain, Valeo. La coopération avec CHA sur les moteurs 1,6 l est un grand succès. Dans le cadre de sa stratégie électromobilité, BMW Group a créé la marque BMW i et a introduit les révolutionnaires BMW i3 et BMW i8.
BMW Group France poursuit en outre une politique active et pérenne de mécénat avec des acteurs culturels de renom tels que les Rencontres de la Photographie, Arles, Paris Photo et Gobelins, l’école de l’image où se tient la Résidence BMW pour la photographie émergente. Depuis plus de 30 ans, BMW Group France finance des projets d’utilité publique par le biais de sa Fondation placée sous l’égide de la Fondation de France : actuellement la prévention routière pour les jeunes conducteurs. L’engagement sociétal de BMW Group se décline aussi avec dans le sport français, notamment à travers son partenariat avec la Fédération Française de Golf (FFG).
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BMW Group
BMW Group, qui comprend les marques BMW, MINI, Rolls-Royce et BMW Motorrad, est le premier constructeur d’automobiles et de motos Premium au monde, fournissant également des services dans les domaines de la finance et de la mobilité. Entreprise de dimension mondiale, BMW Group exploite 30 sites de production et d’assemblage implantés dans 14 pays, ainsi qu’un réseau de vente présent dans plus de 140 pays.
Pour l’exercice 2018, les ventes mondiales de BMW Group ont atteint un volume total de 2 490 000 automobiles et plus de 165 000 motos. En 2018, l’entreprise a réalisé un bénéfice avant impôts de 9,81 milliards d’euros pour un chiffre d’affaires de 97,48 milliards d’euros. Au 31 décembre 2018, les effectifs de BMW Group étaient de 134 682 salariés.
Le succès de BMW Group a toujours été basé sur une vision à long terme et une action responsable. C'est pourquoi l'entreprise a inscrit, dans sa stratégie, la durabilité écologique et sociale tout au long de la chaîne de valeur, ainsi que la pleine et entière responsabilité vis-à-vis de ses produits et un engagement ferme à préserver les ressources naturelles.
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GOBELINS, l’école de l’image Au coeur des industries créatives, GOBELINS s’est imposée depuis plus de 50 ans comme l’école de référence dans les métiers de la création visuelle, de la conception de l’image à sa production. Établissement de la Chambre de commerce et d’industrie de Région Paris Ile-de-France, GOBELINS forme aux métiers de la photographie, de la communication imprimée et plurimédia, du design graphique, du design interactif, du cinéma d’animation et du jeu vidéo. L’école forme ainsi chaque année plus de 1000 élèves dont 495 apprentis et 2000 stagiaires en formation continue. GOBELINS bénéficie d’une renommée nationale et internationale, classée première école au monde en cinéma d’animation (Animation career review 2016 et 2017), première école de graphisme et premier Centre de Formation en apprentissage en France dans les industries graphiques. Pionnière dans les formations à la communication digitale et interactive, GOBELINS forme des étudiants créatifs technologistes, maîtrisant la démarche design et l’expérience utilisateurs.
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I am very happy to have been selected as one of the 8 finalists for the BMW Residency 2019. Out of 250 applicants, the following jury has selected 8 photographers: Maryse Bataillard, responsable du mécénat BMW Group France, Nathalie Berriat, directrice de GOBELINS, François Cheval, directeur artistique de la Résidence, Hervé Digne, collectionneur, Chantal Nedjib, présidente de l’image par l’image, Sam Stourdzé, directeur des Rencontres d’Arles, et Christoph Wiesner, directeur artistique de Paris Photo.
The selected photographers are Delphine Burtin (France – 1974), Julia Gat (Israël – 1997), Sukayana Gosh (Inde – 1973), Lucie Khahoutian (Arménie – 1990), Davide Monteleone (Italie – 1974), Stéphanie Roland (Belgique – 1984) et Ioanna Sakellaraki (Grèce – 1989). The jury has announced Lewis Bush (Angleterre – 1988) as the winner.
For more information:
BMW Art & Culture annonce le lauréat 2019 de la Résidence BMW à GOBELINS, l’école de l’image : le photographe Lewis Bush choisi par le jury.
9 Lives - Lewis Bush, lauréat 2019 de la Résidence BMW
Le britannique Lewis Bush a été choisi parmi huit finalistes pour bénéficier de la bien dotée résidence BMW, avec un ambitieux projet au carrefour de l'image mécanique, des contraintes sociales et de l'innovation. Il succède à Emeric Lhuisset, lauréat 2018 de la résidence.
Cette année, le jury a reçu 250 dossiers. Les finalistes, photographes « émergents », étaient Delphine Burtin, Lewis Bush, Julia Gat, Sukayana Ghosh, Lucia Khahoutian, Stéphanie Roland, Ioanna Sakellaraki et une des références du photojournalisme italien, Davide Monteleone (avec trois World Press Photo et un prix Oskar Barnak à son actif). Lewis Bush devient ainsi le neuvième lauréat depuis la création de la Résidence BMW en 2011, avec un projet critique du fonctionnement de l’image contemporaine : « Ways of Seeing Algorithmically » met en scène les contradictions actuelles du statut de l’image en proposant une relecture de l’ouvrage de référence de John Berger « Ways of Seeing », constat que la sphère de la représentation est en permanence en surcharge d’informations « obscures », faisant de nos perceptions les conséquences d’un ensemble de normes, « voir dépend d’habitudes et de conventions ». Lewis Bush souhaite actualiser « Ways of Seeing », en l’adaptant au nouveau système visuel d’algorithmes et d’intelligence artificielle.
Le lauréat reçoit de BMW une bourse de 8 000 €, et la production des recherches et des œuvres pendant la Résidence ainsi que les expositions aux Rencontres d’Arles et à Paris Photo. Un livre sera publié aux éditions Trocadéro.
Dominique Georges Bègue
